«El hijo del hombre» de Magritte (fragmento)
Por Alejandro López * – ¿Por qué es tan difícil saber de arte? El arte es uno de los campos más especializados del conocimiento humano. Además de su extensa historia (no data de hace cinco siglos, como muchas ciencias modernas), el arte cuenta con un lenguaje especializado, un sinfín de términos que describen tanto corrientes como técnicas e invenciones a través de milenios, todo eso multiplicado por cuantas disciplinas artísticas existen.
Desde la antigüedad, el estudio y la práctica del arte se reservó solamente para aquellos espíritus más elevados, mentes capaces de convertir una pared, un lienzo o un pedazo de mármol en una expresión humana de técnica y sentimientos.
A través de los años, la sociedad y la discriminación en la producción de saberes crearon un poderoso criterio de diferenciación, un binomio que agrupa por condición de conocimiento: por un lado, se ubican los conocedores, personas “enteradas”, especialistas que comúnmente cuentan con una formación profesional sobre el tema en cuestión. Frente a ellos están los ignorantes, aquellos que no reúnen el conjunto de conocimientos necesarios para siquiera opinar sobre el objeto cognitivo.
¿Cómo se fragmenta el conocimiento en el arte?
En el mundo del arte, como en ningún otro espacio del pensamiento, este binomio toma especial fuerza y funciona a la perfección como un mecanismo de exclusión, negación y monopolización del conocimiento. Esta actitud es difundida por la sociedad en todas direcciones y toma distintas formas discursivas: desde la escuela primaria, donde una clase de Educación Artística se cuenta como un agregado absurdo que apenas tiene importancia; desde la academia y los estudios universitarios, donde los saberes se encierran tras bibliotecas, museos, cubículos y salones que reúnen a los grandes conocedores y críticos a discutir entre ellos en términos elevados; desde la lógica utilitaria del capital, donde las actividades que no funcionan para reproducir la acumulación son consideradas como improductivas y por tanto, el arte es igual a pérdida de tiempo; desde los museos y las instituciones encargadas de la difusión y el resguardo del arte, donde el formato museográfico está agotado por cuanto ofrece para un público homogéneo, acostumbrado a la deglución de una interpretación ajena y pensada con anterioridad.
Cada espacio potencia la aceptación de un discurso que detrás de la magnificencia artística, afirma que ni el estudio, ni la práctica artística es para todos. Que para conocer de arte se requiere de una sensibilidad y un talento innato, algo que no se aprende en la academia y que requiere de la comprensión, entre otras muchas disciplinas, de historia, filosofía y por supuesto, de muchos idiomas para comprender el léxico especializado de la crítica del arte.
Una alternativa para aprender de arte: de la A a la Z
En oposición a los especialistas, críticos del arte, académicos y “conocedores” que reservan su conocimiento para que se extinga con ellos en vez de difundirlo, existen recursos en línea que ayudan a formar un criterio artístico a partir del conocimiento de obras, técnicas y términos de las distintas disciplinas que integran el horizonte artístico. Aquí te mostramos algunas palabras básicas y clave, de la A a la Z, para comprender mejor qué es el arte.
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A
Abstracto: El arte puede ser figurativo en su totalidad. En ocasiones y en algunas vanguardias artísticas, la tendencia es convertir las formas observadas en la realidad en patrones que son observados por el espectador a primera vista como objetos independientes, en vez de asociarse directamente con el objeto representado.
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B
Bauhaus: Fue una escuela de diseño fundada por el arquitecto Walter Gopius en 1919, que continuó la tradición del Deustcher Werkbund y ejerció una enorme influencia en las artes gráficas e industriales.
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C
Claroscuro: Técnica pictórica que se basa en un contraste evidente entre degradados de luz y sombra en una misma composición artística. Su invención es generalmente asociada a Leonardo da Vinci. El estilo alcanzó un clímax en el siglo XVII con el trabajo de Caravaggio, Rembrandt y Georges de la Tour.
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D
Dadá: Palabra designada deliberadamente por el primer movimiento antiarte de la historia. El concepto, desarrollado por Hugo Ball, Hans Arp y Tristan Tzara, es el opuesto a las convenciones artísticas occidentales de la época, especialmente al positivismo y la noción de razón que dominaba en el arte a inicios del siglo XX.
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E
Expresionismo: Término popularizado por el crítico de arte alemán Herwarth Walden para caracterizar a todas las obras de arte modernas opuestas al Impresionismo. En segundo término, se le llamo expresionista a la corriente artística en que la forma no surge de la observación directa de la realidad, sino de las interpretación subjetiva del artista en turno.
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F
Fauvismo: Término acuñado por Louis Vauxcelles para describir un grupo de jóvenes pintores que expusieron sus obras conjuntamente en el Salón de Otoño de París de 1905. El crítico calificó de incoherentes y emitió un comentario donde las calificó como fieras, por el uso del color intenso (especialmente los tonos primarios) y un estilo descuidado para los cánones de la época.
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G
Gótico: Estilo especialmente arquitectónico utilizado para describir todo el arte medieval desde el fin del periodo Románico (s. XII) hasta el principio del Renacimiento (s. XV), que se distingue por un uso del arco de medio punto. El término fue utilizado por los artistas renacentistas para denigrar a sus predecesores, utilizándolo en sentido peyorativo.
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H
Happening: Un performance, evento o situación considerada como arte, especialmente iniciada por el grupo vanguardista Fluxus en la década de los 60. Estos eventos son comúnmente planificados, pero en la mayoría de las ocasiones mantienen elementos de improvisación, son multidisciplinarios y requieren de la participación del espectador.
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I
Impresionismo: Movimiento artístico del siglo XIX, asociado especialmente con los artistas franceses, cuyos trabajos se caracterizaron por pequeñas y delgadas pinceladas para dar forma a una escena, enfatizando en el movimiento y el cambio en la luz.
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J
Jugendstil: Nombre que recibió la variante del Art Noveau en Alemania y Austria. El término fue acuñado tras el lanzamiento de la revista “Jugend”, que significa joven. Algunos de sus representantes más icónicos son Hermann Obrist y Richard Riemerschmidt en Alemania, y Joseph Maria Olbrich en Austria.
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K
Kitsch: Estilo artístico de objetos y obras producidas en masa que se consideran aestéticas, de mal gusto y opuestas a los estándares de belleza de la élite cultural.
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L
Litografía: Técnica artística de grabado con base en aceite y agua, donde una sustancia aceitosa se aplica a una piedra u otro medio para transferir tinta a una superficie de papel.
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M
Modernismo: Nombre general que reciben todos los movimientos vanguardistas en el arte y la arquitectura que dominaron la cultura occidental a través del siglo XX.
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N
Neoclásico: Estilo pictórico y arquitectónico que surgió durante la segunda mitad del siglo XVIII en Europa, con la creciente influencia de la Antigüedad clásica en la estética de la época. Se basa en la reproducción de obras antiguas a partir de su observación directa y dominó la arquitectura, pintura, escultura y las artes decorativas europeas.
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O
Op art: Movimiento de arte abstracto de la década de los 60 preocupado por la exploración de distintos efectos ópticos provocados por la estimulación visual. Los trabajos más representativos fueron producidos por Bridget Riley, Solo y Victor Vasarely.
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P
Pop Art: Movimiento artístico iniciado por artísticas británicos y secundado por estadounidenses en 1950, caracterizado por las referencias a imágenes y productos de la cultura popular, los medios y la publicidad, con un balance entre la ironía y la exaltación.
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Q
Quattrocento: Periodo comprendido entre el 1400-1500 del arte italiano. El término es comúnmente utilizado para nombrar al estilo característico de los primeros artistas renacentistas italianos, como Donatello, Masaccio y Botticelli.
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R
Renacimiento: Movimiento cultural que marcó el regreso de la cultura clásica en Europa tras el oscurantismo medieval, inspirado en los ideales humanistas, tuvo una especial repercusión en las artes visuales, cuyo progreso fue marcado por un dominio de la anatomía humana y la mejora en las técnicas de la perspectiva. Se relaciona profundamente con el Quattrocento.
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S
Surrealismo: Término acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, utilizado para nombrar a la vanguardia artística fundada por André Bretón en 1924, que absorbió el dadaísmo y propuso la separación de los métodos y procesos mentales para la creación del arte. Inspirado fuertemente por Freud, propuso el automatismo psíquico puro y el onirismo para la liberación de la conciencia en la expresión artística.
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T
Témpera: Técnica pictórica en la que una emulsión consistente de agua como disolvente del pigmento y huevo (o cualquier elemento de grasa animal u orgánica) como aglutinante. Su uso está particularmente asociado a los pintores italianos del siglo XIV y XV, que utilizaron la témpera para frescos y pinturas sobre madera.
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U
Urbano: Término que se utiliza para englobar todas las expresiones artísticas que se encuentran en la calle como un modo de expresión citadino, comúnmente ilegal y anónimo, que incluye variedades que van desde el grafiti, stencil, performance, happening y hasta murales.
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V
Venus: Representación femenina en las artes visuales que engloba la belleza, los ideales estéticos y la fertilidad de la mujer. En la escultura las Venus más antiguas datan del paleolítico, mientras que en la pintura, durante todo el Renacimiento y hasta el Siglo de Oro, la Venus fue un tema recurrente en el arte.
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W
Weltanschauung: Cualquier idea sobre la naturaleza del mundo expresada implícita o explícitamente en una obra de arte, que también es el vehículo de un sistema sobre el que se levantan valores y juicios morales o estéticos. Incluye percepciones, conceptos y una visión del mundo del artista o la obra en cuestión.
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X
Xilografía: Técnica de impresión en una plancha de madera donde la imagen se talla manualmente, creando un relieve que pone de manifiesto la composición artística.
Y
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Yamato: Estilo pictórico clásico japonés, naturalista y narrativo iniciado en el siglo X en la dinastía Tang. Las composiciones se basan en textos seculares, de la literatura tradicional, además de actividades y escenas típicas del campo japonés.
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Z
Zeitgeist: El espíritu de una época. Se refiere al ambiente cultural y artístico de un periodo histórico determinado. También es el título de una exhibición Neoexpresionista en Berlín en 1982.
Fuente: CulturaColectiva
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